本屋のまんがコーナーで、右のページから読み始めて怒られた経験はないでしょうか。逆に、翻訳版の海外まんがを日本人が読むと、最初のページで詰まることがあります。まんがには、当たり前のように見えて実は理由のある「決まりごと」がいくつもあります。今回は、その成り立ちを問いと答えの形で見ていきます。
なぜ日本のまんがは右から左に読むのか
結論から言うと、これは縦書きの日本語文化がそのまま持ち込まれた結果です。まんがのコマ運びが右から左になっているのは、絵の都合ではなく、文字の都合が先にあったと考えるのが自然です。
日本語の書籍はもともと縦書きで、右上から左下に向かって文字を読みます。新聞や小説がそうであったように、まんがも同じ流れで発展しました。セリフを縦書きの吹き出しに入れる以上、コマの並びもそれに合わせざるを得なかったわけです。横書きの英語圏で生まれたコミックとは、そこが根本的に違います。
たとえば大正から昭和初期にかけての新聞まんがを見ると、すでに右から左への流れが確立しています。当時の読者は、これを特に意識することなく自然に受け入れていたはずです。文字の並びに絵が従った、という順番が逆転せずに今まで続いているのは、なかなか興味深い点です。
ただし例外もあります。海外向けに翻訳出版される際、左開きに反転させて出す場合があります。絵を反転させると右利き左利きの描写や、時計の針の向きなどが不自然になることがあり、出版社によって対応はまちまちです。近年は原作の向きのまま出す例も増えていますが、これは読者側の慣れが進んだことも影響していると思われます。
コマ割りに決まった形がないのはなぜか
まんがのコマは、映画のカット割りのように「絶対のルール」がありません。これは、まんがが文字と絵を同時に扱う表現だからです。
小説は文字だけで時間の流れを作れますし、映画は連続した映像で時間を作れます。まんがは静止画の連続で時間の流れを表現しなければならず、そのためにコマの大きさや形、配置を作家ごとに工夫する必要が出てきます。大ゴマで衝撃的な場面を見せたり、小さいコマを連続させてスピード感を出したりするのは、その工夫の結果です。
具体的な場面を考えてみます。バトルまんがのクライマックスで、見開き2ページを使って一撃の場面だけを描くことがあります。ここでは時間の流れをあえて止めて、迫力を最大化する狙いがあります。逆に、日常を淡々と描く作品では、同じ大きさのコマを規則正しく並べることで、静かな時間の流れを表現することもあります。コマ割りは、作家が伝えたい感情の速度を調整する道具になっているわけです。
迷いやすいのは、コマ割りが自由すぎるがゆえに「読みにくい」と感じる読者が一定数いる点です。特にコマが斜めに交差していたり、吹き出しがコマをまたいでいたりする作品は、慣れていないと目の動かし方が分からなくなります。これは失敗ではなく、あえて読者の目線を誘導するための演出であることが多いのですが、初めて読む人にはハードルになりやすいところです。
週刊連載というスタイルはどう定着したのか
週刊誌でまんがを連載するという形式は、雑誌というビジネスモデルとまんが家の生活を両立させるために生まれた仕組みだと考えられます。毎週決まった分量を描き続けるという働き方は、実はまんが特有のものです。
雑誌は定期的に発行しないと読者の習慣が途切れてしまいます。週刊誌であれば毎週、月刊誌であれば毎月、決まったタイミングで新しい話を届ける必要があります。そのために、まんが家は一話ごとに区切りをつけながら物語を進める描き方を身につけていきました。次号への引きを作る、いわゆる「引き」の技術は、こうした連載形式のなかで磨かれてきたものです。
たとえば週刊連載の作家は、多くの場合、1週間で十数ページから二十数ページを仕上げます。ネームと呼ばれる下書きの構成から始まり、作画、仕上げまでを短いサイクルで回し続けるため、体力的にも精神的にも負担の大きい働き方になります。締め切り直前までネームが決まらず、アシスタントが待機したまま作業が進まない、という状況も珍しくないようです。
ただし、すべてのまんがが週刊連載である必要はありません。月刊誌や隔週誌、あるいはウェブ媒体での不定期連載など、形式は多様化しています。ここは作家の体力や作品の性質によって向き不向きがあるところで、一概に週刊連載が優れているとは言えません。じっくり作り込む作品には、むしろ月刊のペースが合っている場合もあります。
単行本になると絵やセリフが変わることがあるのはなぜか
雑誌連載時と単行本収録時で内容が微妙に違う、という現象はまんがではよくあることです。これは締め切りの厳しさと、後から見直す時間の差から生まれるものです。
週刊誌や月刊誌の連載は、印刷所への入稿まで時間がぎりぎりのことが多く、作画の見直しに十分な時間を取れないまま掲載されることがあります。単行本化の際には、その原稿を改めて見直す機会が生まれます。作家自身が気になっていた部分を修正したり、担当編集者からの指摘を反映したりして、絵の描き込みを増やしたり、セリフを調整したりすることがあります。
具体的には、雑誌掲載時にモブキャラクターだった人物の顔が単行本では描き足されていたり、説明的だったセリフが単行本では簡潔になっていたりする例が見られます。読者のなかには、雑誌版と単行本版を読み比べて違いを楽しむ人もいます。こうした修正は、作品への愛着や責任感の表れとも言えるでしょう。
一方で、修正がほとんど入らない作家もいます。連載時点で完成度を高く保っている場合や、逆に単行本化のスケジュールが厳しく手を入れる余裕がない場合など、事情は様々です。修正の有無や量を、作品の質と直接結びつけて考えるのは早計かもしれません。
アシスタントを使う分業体制はどこから来たのか
まんが家が一人で全部の絵を描いているわけではない、というのは意外と知られていない事実です。背景やベタ塗り、トーン貼りといった作業をアシスタントが分担する体制は、週刊連載の量産体制のなかで自然に発展してきました。
一人のまんが家が毎週十数ページを、キャラクター作画から背景、効果線、仕上げまですべて一人で描き切るのは、時間的に現実的ではありません。そこで、専門化した分業が生まれました。人物の顔や主要な演技はまんが家本人が担当し、背景の建物や自然物、細かい効果はアシスタントが担当する、という役割分担です。この仕組みがあったからこそ、週刊連載という過密なスケジュールが成り立ってきたとも言えます。
たとえば、大きな仕事場では数人のアシスタントが交代で泊まり込み、締め切り前の数日間は仮眠を取りながら作業を続けることもあるようです。定規を使った背景の直線、スクリーントーンの貼り込み、写真素材を参考にした建物の描写など、専門的な技術を持つアシスタントが分担することで、まんが家は物語やキャラクターの演技に集中できます。
ただし、すべての作家がアシスタントを使うわけではありません。ジャンルによっては、絵よりも構成やセリフ回しに比重が置かれる作品もあり、その場合は一人で完結させる作家も少なくありません。また、デジタル作画が普及したことで、素材の使い回しや効率化が進み、以前ほど大人数のアシスタントを必要としない現場も増えてきています。分業のあり方自体が、時代とともに変わり続けているところです。
